In occasione del restauro e conversione a Residenza d’Epoca di Palazzo Donghi in via di Canneto il Lungo a Genova, la committenza straniera ci ha contatto in qualità di art director per progettare una visual identity innovativa, adatta alla trasformazione, al fine di promuovere l’intervento verso un target di clientela ben preciso.

Appartenente al sistema dei Rolli e costruito nei primi anni del XVII secolo per volontà di Giò Andrea Cicala, il palazzo venne acquistato verso la metà dello stesso secolo da Giò Antonio Donghi, la cui famiglia fondò le sue fortune sulla manifattura della carta.

Per promuovere una nuova immagine contemporanea e nello stesso tempo rispettosa del contesto storico, il progetto di comunicazione si ispira alle origini della famiglia Donghi attraverso l’inserimento episodi artistici nati dall’antica arte della piegatura della carta.

Il progetto, pensato per un servizio fotografico e video, è liberamente ispirato dalle opere d’arte di Mauro Seresini: gli ampi spazi del piano nobile vengono animati da figure animali e modelle dagli scultorei abiti di carta in una passerella di geometrie e colori inaspettati, per solleticare l’immaginazione di un possibile ospite.

Il nome originale era effervescente ma non abbastanza per la nuova titolare, e la volontà di dare nuova vita ad un’attività consolidata è sempre un’idea coraggiosa. Un nuovo nome è fondamentale, richieste glam ma rock’n’roll, l’ abito pure. David è arrivato come ispirazione.

Trovato il nome, il progetto è arrivato naturalmente come il nuovo logo: un carattere di base con grazie, ma girato all’opposto, controtendenza. Il progetto di rebranding infatti si è sviluppato su due fronti: grafica ed interni.

Il progetto di interni è stato ripensato basandosi sulla visibilità dalla strada: a partire da essa, infatti, lo spazio è suddiviso in una prima fascia espositiva, le vetrine, dalla quale si intravede la seconda, destinata all’accoglienza, divisa dalla terza dedicata all’esposizione da due arcate sottolineate dai nuovi colori, i camerini di prova invece risultano nell’unico angolo nascosto.

La circolazione all’interno e la percezione dello spazio sono così senza alcuna soluzione di continuità.

Gli arredi invece sono basati sul concetto di autocostruzione, essi riutilizzano materiali grezzi usualmente non connessi all’arredamento e assemblati direttamente dal cliente sulla base delle indicazioni di progetto.

Banconi in osb, pouff in bancali, mensole in tondini di ferro, rete fogliata come pannellatura, tubi di metallo come corpi illuminanti: sono tutti elementi di recupero assemblati in forme pulite e funzionali.
Si alternano così toni industriali come ferro grezzo e color cemento, al giallo vivido dell’ osb e alla cura dei dettagli tattili e tessili con l’aggiunta di tende, cuscini, targa interna in lana, lampadari in piume. Glam Rock in fin dei conti ..you’ve torn your dress.

Fotografie: Bruno Ravera

Progettare l’ampliamento e ristrutturazione di un centro acustico dalla fama e clientela consolidata (Otoson srl), implica il dovere di rispondere attraverso il segno architettonico a molteplici questioni di ordine funzionale ed emozionale, oltre che estetico.
Lo spazio è ibrido, a metà tra studio medico e negozio, con una forte prevalenza del fattore umano nell’interazione tra tecnico e fruitore.

Caratterizzato da tre elementi principali: un bancone centrale in legno, una lunga linea di sedute rosse e una parete installazione, essi definiscono le aree di utilizzo e contemporaneamente connotano visivamente lo spazio attraverso un’immagine forte, ma senza rimandare propriamente ad un tradizionale centro acustico.

Lo spazio centrale di accoglienza si delinea come un unico vano, lanterna luminosa sul fronte strada, dalla quale spicca sopra a tutto un’ installazione a parete. Solo agli occhi più attenti risulta ciò che rappresentano realmente cinquanta lame di legno sagomate a tutt’altezza: una gigantesca onda sonora che, fermata nel tempo e nello spazio, osserva silenziosa clienti e passanti.

Fotografie: Bruno Ravera

Poke Goa è un piccolo viaggio alle Hawaii nel centro di Genova.

Situato in un palazzo di fine Ottocento in fondo di via Fieschi, quasi all’angolo della trafficata via XX Settembre, accoglie chiunque entri con una sferzata di colori ed invita immediatamente a lasciare fuori la vita di tutti i i giorni.

Una grande onda color acquamarina, parte dal bancone di vendita e si avvolge su stessa lungo la parete di ingresso del locale, mentre una tavola da surf la fende per tutta la lunghezza e il cliente spingendo la porta dal marciapiede si ritrova subito all’interno della blue room.

Il resto è un susseguirsi di colori e materiali ispirati alla vita sull’oceano, alle Hawaii e alle spiagge ma resi minimalisti e contemporanei attraverso pure forme geometriche.

Il bancone, dal rivestimento a semicilindri in legno laccato color corallo, fa da contrappeso all’intensità del blu del pavimento e della parete ad onda in ecomalta laccata, mentre quella di fondo è rivestita in grès ad effetto bamboo tridimensionale, il resto delle superfici è in arenino, ovviamente, color sabbia.
Sopra al bancone, un fruscio vibrante e colorato di lampade a sospensione ricorda e sintetizza nell’immaginario i fiori di ibisco e la prorompente natura hawaiana.

Ma è la grande onda che permette al cliente di immergersi letteralmente nell’ambiente: usando il banco snack dall’aspetto di una tavola da surf vintage con sgabelli giallo intenso, si può gustare la propria poke bowl protetti e illuminati dalla cresta che verso l’alto sfuma nel bianco della schiuma e della luce.

Il progetto di interni minimalista ma con anima pop rielabora gli stilemi e i colori del mondo hawaiano ed è strettamente collegato al progetto di brand design proposto alla committenza.

Il logo è un pesciolino, la cui forma ricorda anche una bowl, ma con un ironico gonnellino da ballerino di hula, contornato da un cerchio con il nome del locale la cui G potrebbe essere anche una freccia circolare, quasi un invito a viaggiare.
Tutto, pesciolini hula dancer e clienti viaggiatori, nuotano o surfano nel blu acquamarina.

Fotografie: Chiara Viada

Ampliamento dello storico negozio di pneumatici Sturlagomme, a Genova Sturla dal 1960. Nuovo Showroom, Deposito e Reception.

Il progetto di ampliamento ha previsto una suddivisione netta tra gli spazi di officina e gli spazi commerciali ed espositivi previsti nel nuovo negozio adiacente.

Ogni funzione trova il suo spazio ideale nella nuova configurazione, l’ampliamento infatti è uno spazio unico, la cui doppia altezza definisce l’ambiente in due metà differenti.

Da un lato, uno spazio soppalco chiuso in lamiera grecata gialla definisce un locale magazzino, sotto di esso la reception, dall’altro il vero e proprio showroom di pneumatici e cerchioni.

L’immagine di una officina meccanica storica riecheggia nell’utilizzo dei materiali degli arredi, tutti disegnati appositamente su misura per il negozio, in ferro e legno di recupero, utilizzando colori forti come il giallo della lamiera richiamo evidente del logo di Sturlagomme a contrasto con il grigio del pavimento in resina o degli arredi in ferro.

La suddivisione tra gli spazi di servizio e di esposizione è costituita da lamiere metalliche perforate, che creano così un filtro leggero funzionale ma che permette la visione, in forte contrasto al cubo giallo pieno ma che sembra aleggiare sospeso sulle nostre teste.

L’attenzione al dettaglio fa la differenza anche nella scala di collegamento al deposito soprastante, pensata come un nastro di lamiera metallica perfettamente allineata al sottostante mobile archivio laccato colore del muro in contrasto con il bancone vintage e dalle poltroncine in cuoio.

Fotografie: Chiara Viada

Situato all’interno di Palazzo Terzano di Giuseppe Crosa di Vergagni, la nuova sede dello studio legale committente occupa buona parte del quinto piano dello stabile, inserito nel complesso monumentale di piazza Dante a Genova, dai quali si distingue per un serrato confronto tra le elaborazioni di gusto Decò e le emergenti tendenze razionaliste.

Linee classiche semplificate, simmetrie, forme plastiche e colori fauvisti contrapposti al bianco-nero presenti nell’art Decò sono raccolti nella memoria generatrice del progetto come abaco espressivo per essere ricomposti in un linguaggio attuale.

In particolare, le pavimentazioni esistenti in marmo, graniglia e legno hanno generato un percorso di ambienti differenti il cui comune denominatore è l’utilizzo del colore e l’inserimento di arredi contemporanei disegnati su misura a dialogare con gli elementi storici presenti.

Nell’ingresso, trovando un pavimento in marmo a riquadri grigi e bianchi e un soffitto a decori geometrici, si decide per una parete di fondo verde chiaro, suddivisa da nuove modanature tono su tono, sulla quale si appoggia un lungo divano in velluto dai richiami classici.

Dalla porta in vetro si accede ad un lungo corridoio sul quale si aprono le porte dei singoli uffici. Qui il pavimento in graniglia a riquadri suggerisce l’introduzione di un colore blu scuro a soffitto al fine di equilibrare le proporzioni, utilizzando il nuovo colore su un piano differente.

La sala riunioni e l’ufficio privato del titolare si concentrano sull’arredo come elemento primario, disegnato specificatamente su misura per la forma e la funzione dello spazio.

Due tavoli, uno scrivania e uno riunione, dalle forme asimmetriche e affilate, aggressive nell’aspetto e nonostante tutto con richiami classici per l’utilizzo del marmo, archetipo della colonna, nella sala riunioni e del noce canaletto, legno classico e prezioso per la scrivania privata.

Il tavolo riunioni in fenix nero si posiziona al centro della sala come un elemento scultoreo e nello stesso tempo tecnico. Completamente cablato al suo interno e con dettagli a 45° gradi per ridurne la visibilità degli spessori, ha una sezione del piano variabile per permettere differenti configurazioni e distanze ideali tra le persone sedute durante le discussioni di lavoro.

Lo studio privato è una scatola bicolore, bordeaux e fango per la boiserie tono su tono, contrapposta al parquet a spina italiana originale e restaurato, mentre elementi neri come lampade, libreria e porte costellano il percorso con una coerenza grafica.

Pur mantenendo un richiamo storico al contesto nel progetto di interni, si è ragionato sul nuovo mondo del lavoro attraverso l’arte. Il tema non è più quello di adattare lo spazio alla tecnologia poiché ciò che basta è semplicemente una connessione elettrica, integrata in ogni arredo scultura.

Anche lo studio legale ormai non è più collegato ad un’ampia dimensione cartacea, soppiantata da archivi virtuali, quindi, potendo ormai lavorare ovunque collegati al proprio laptop, l’ufficio deve essere un luogo dove avere il piacere di stare e che crei curiosità.

Da questo nascono le installazioni artistiche con libri illeggibili resi sculture, non più da sfogliare ma da sfiorare leggeri.

Fotografie: Bruno Ravera

Uffici
Un ufficio non deve essere un ufficio, nemmeno una casa di abitazione, o un albergo o un ristorante o che ne so io: deve essere un luogo bello, dove andare e avere il piacere di stare. Cosa serve per lavorare oggi che possiamo lavorare dappertutto, se non la voglia di farlo! Per questo l’ufficio deve essere un luogo di seduzione intellettuale, che crea curiosità, interesse all’apprendimento, desiderio di conoscenza. Un luogo che stimoli le relazioni e la riflessione, dove scoprire chi sono gli altri e chi siamo noi stessi . Idealmente l’ufficio è il luogo dove realizzarsi e dove rendere ideali gli ideali.
E’ il nostro ideale!
Oggi i tavoli, le scrivanie, i computer e la carta sono falsi problemi.
Non è cambiare la forma dei tavoli o il colore dei computer che ci farà più contenti.
Possiamo essere paradossalmente più contenti in un polveroso vecchio ufficio, che non nel più ultramoderno,colorato,cosmico, interattivo e tecnologico : è più importante l’atmosfera, quello che si vede dalla finestra, la pulizia e il decoro della toilette e della strada che si percorre per arrivare da un collega o amico o cliente che ci aspetta.

Michele de Lucchi, I miei orribili e Meravigliosi Clienti – Quodlibet Habitat 2015

Fotografie: Chiara Viada

Negli ultimi anni il connubio “food e design” è diventato sempre più stretto: la ristorazione è un’esperienza polisensoriale, nella quale si mette in gioco la cucina dello chef e l’ambiente in cui si presenta. Il progetto di interni pertanto è risultato parte integrante dell’esperienza enogastronomica e per funzionare deve svilupparsi in maniera coerente con l’idea di cucina.

Il progetto di interni parte da questo assunto: è il cibo il primo protagonista di un ristorante.

Il nostro lavoro come designer è stato quello di rendere percepibile anche alla vista e all’esperienza dello spazio, l’idea alla base della proposta culinaria del San Giorgio, improntata su tre capisaldi: tradizione, qualità ed eleganza.

Cibo gioiello | Le ampie vetrine con satinatura differenziata sottolineano un taglio trasparente da cui emerge solo un elemento: rappresenta la centralità della materia prima e la sua qualità. Oltre si intravede il ristorante, ma proteggono i clienti già seduti ai tavoli dalla vista dei passanti.

Locale storico | Il San Giorgio rileva i locali dello storico ristorante Gran Gotto di Genova, inserendosi con una nuova immagine nitida senza cancellare il passato di cui si mantengono elementi importanti: il pavimento in legno massello di sucupira, le poltroncine restaurate con nuove gradazioni di colore tra il grigio e il blu, un mobile di ingresso restaurato e integrato con nuove funzioni.

Materie Prime | La qualità finale del prodotto si basa sulla materia prima sia in cucina che in architettura. Gli interni hanno alcuni elementi ricorrenti che, combinati in punti e modi diversi, accompagnano il cliente nell’esperienza sensoriale del ristorante. Si alternano materiali ricchi come il legno di palissandro delle lamelle e cambuse, ad elementi in ottone, come il volume cilindrico della reception in lamiera traforata e i dettagli preziosi degli arredi.

Prospettive | Alla matericità del legno ed ottone si aggiunge la percezione del colore e dei riflessi. Il blu, colore della città per eccellenza e tradizione, fa da sfondo agli ampi specchi tondi retro illuminati, orizzonti che creano nuove profondità e punti di vista incrociati come da alcuni oblò. L’unico specchio convesso assume un’importanza centrale e racchiude tutti gli elementi in sé, riflettendo tutto e tutti in un ritratto dalla prospettiva a occhio di pesce.

Unicità | Ogni zona ha un elemento di arredo funzionale ma protagonista della sala. Nella prima appare un soffitto popolato da forme curve e fluide, dalle suggestioni organiche: sono corpi illuminanti disegnati su misura per l’ambiente , di diversa dimensione e colori, posizionati a diverse altezze a ricreare un microcosmo naturale , quasi un fondale marino capovolto. Nella seconda sala, invece, due armadi austeri o “cambuse”. Il rigore però è solo apparente, aprendo le ante si rivela un interno prezioso contenuto tra vini e calici di valore, come fossero due forzieri. In fondo si trova il tavolo più nascosto, dedicato alle cene importanti, con illuminazione separata dal resto e circondato da arredi che rivelano parzialmente la cantina dei liquori.

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